根據梵高自畫像合成的梵高回眸的一瞬

PAWS工作站系統

根據梵高作品合成的影片中的畫料商唐吉老爹

左為綠幕下的真人拍攝，中間為梵高油畫原作，右圖為合成影片效果

荷蘭畫家文森特·威廉·梵·高（1853—1890），也就是大家熟悉的“梵高”，是后印象派先驅，著名作品有《星夜》《加歇醫生肖像》《羅納河上的星夜》等。梵高所處的時代，主流藝術仍是學院派，作為新興畫派的印象派尚未被接受，更別說后印象派了。梵高短暫的一生充滿坎坷和困苦，他生前只賣出過一幅油畫。但他熱愛繪畫又很敏感，敢于嘗試和創新，他將景物重新構造和抽象，表現出所描繪景物的本質；他具有現代感的畫像突出主觀感受，表達真實情感，傳遞人物靈魂。沒有哪位藝術家像梵高那樣充滿傳奇，他的故事一直流傳，從未間斷。

動畫電影生成術

2015年是梵高逝世125周年，為紀念他，從2012年開始，荷蘭BreakThru Films和英國Trademark Films動畫工作室便開始籌拍動畫電影《至愛梵高》。2017年該片正式上映，這部歷時6年的95分鐘全手繪油畫動畫電影，取材于梵高近百幅畫作和800多封個人信件，包含了6萬多幀梵高油畫風格的圖像，制作成本約為500萬美元。

決定拍這部動畫電影時，波蘭畫家、導演多洛塔·科別拉（Dorota Kobiela）正處于人生的低谷，讀過梵高一些個人信件之后，使她在情感上更加理解梵高，產生了拍攝這部影片的最初創意。她認為只有手繪才能傳遞出最好的感覺，最真實地表達出油畫的境界，展現出梵高作品想要表達和闡述的思想。于是她決定將動畫和繪畫分層進行：在動畫方面，由專業演員模仿梵高人物作品的動作，實景實拍，再經過數字繪景，制作成梵高油畫風格的動畫視頻。在繪畫方面，由專業油畫師根據這些動畫視頻進行二次繪畫，同時創作其他場景，使梵高作品的筆力和色彩能夠重現，解讀重構梵高的作品。最后，將風格統一的繪畫再次進行后期制作，成為手繪油畫動畫電影。

為了保證貼近梵高的客觀視角，多洛塔并不想添加任何非梵高創作的畫，但為了敘述電影故事的完整性，她不得不在繪畫之上添加更多的場景。于是在電影中，彩色的鏡頭是梵高繪畫中的人物和場景，代表著梵高的視野；而類似閃回的黑白鏡頭則不是梵高繪畫中的場景，是創作者為了完善劇情而設計的場景延伸，基于那個年代的黑白攝影，讓影片展現梵高生活中的一些重要片段。

影片的主角實際上是梵高好友郵遞員的兒子阿爾芒·魯蘭，真人拍攝部分由道格拉斯·布斯演繹，主要通過他的經歷來講述梵高的故事。梵高由羅伯特·古拉奇克扮演，片尾根據梵高自畫像制作的梵高對觀眾的凝視成為影片的經典鏡頭。而加歇醫生則是由杰羅姆·弗林扮演，他因扮演過美劇《權力的游戲》中的雇傭兵波隆，給人留下很深的印象。

電影中的技術

在人物動畫拍攝和后期特效制作的具體過程中，視覺特效主要通過高科技交互式攝影控制系統（Motion Control System，簡稱MoCo）配合綠幕（或藍幕）完成，采用綠幕（或藍幕）是因為在電腦后期制作過程中能夠輕易地將綠色（或藍色）替換而保留其他部分。

演員們在綠幕（或藍幕）環境中模仿原畫中的人物進行相應的表演，導演通過MoCo系統輔助拍攝，專注于捕捉演員的表情動作和場景調度，同時利用傳感器信號捕捉設備將環境以圖像數據的形式記錄下來，并用計算機對該圖像數據進行處理，得到時間空間坐標，再經過CGI輸出后期合成和動作影描制作技術（Rotoscoping）處理，制作出油畫效果的動畫視頻供油畫師參考。

MoCo系統和Rotoscoping技術是實現影片特效的關鍵技術。MoCo可以同時同步控制攝影機和燈光等的運動路線及拍攝速度，是一套結合硬件設備、電腦和攝像機的拍攝用自動化設備。它通過電腦等控制攝影機的運動軌跡，不斷精確復制移動的視點，以形成一個獨特完整的特效鏡頭。

比如影片開場時那個宛如夢境的長鏡頭，首先是月亮的長焦特寫，之后鏡頭緩緩搖下，積云翻滾，鏡頭變快，積云向上不斷快速涌動，隨著云層散去，鏡頭變緩拉遠成為廣角，星星、黑色柏樹出現，鏡頭旋轉，村落、房屋、街道和人物依次出現，當主角出現時鏡頭拉近再次變成特寫，一幅完整的《星夜》呈現出來。片尾那個長鏡頭也是如此拍攝的，構成了《羅納河上的星夜》。筆者認為，導演就是采用MoCo實現跟蹤、升降、變焦、旋轉、對焦等，相互組合搭配、重復使用，一氣呵成地完成了這兩個獨特壯美的鏡頭。

操作人員通過MoCo精確地知道攝影鏡頭的時間空間坐標，按照拍攝內容安排出場時間和調度，在前期拍攝時就知道拍攝物體的視角是否和要合成的數字畫面一致，可以預覽合成效果，達到最佳效果的同時節省了后期制作的時間。MoCo的功能非常多，使用成本也比較高。

而利用Rotoscoping技術， 可通過電腦插值計算把真人扮演的視頻片斷加工成類似油畫的效果。利用插值軟件在處理速度方面比其他方式更為快捷。通過MoCo捕捉和Rotoscoping加工，油畫效果的實拍影像動畫視頻基本成型，用來供油畫師當參考物。因為要加入更多的細節部分，需要油畫師一幀一幀地將實拍影像動作再繪制出來。

梵高作品畫布尺寸不同，而電影畫幅是固定的，所以一些鏡頭不得不改變某些作品原本的尺寸，進行裁剪或擴展。而通過從上往下搖鏡頭的方式來展現一些垂直畫布的作品，這樣就不需要改變原作。梵高眾多作品表現不同的季節，但電影主要展現的是梵高去世前后那段時期，所以需要對有些作品進行色彩、色調上的調整，以保證整部影片的風格統一。

為了解決這些復雜的問題，制作團隊開發了名為PAWS（Painted Animation Work Stations）的工作站系統，它包含了相機、電腦、投影、監視器、光源和畫布等。每位參與的畫師都經過了短期的培訓，有一個開放的相對獨立的小格子間工作站，既可相互交流，又能互不打擾。之前由演員實景拍攝、數字繪景所創建的動畫視頻作為參考物布置在畫布上方，或者投影在畫布上。畫師能夠更加專注于繪畫本身，一幀接一幀地畫下去。重復繪制的數量視很多情況而定，比如鏡頭的運動、人物的數量、運動的形式等，精確地控制每一幀的精度。最后，后期制作人員將油畫師們繪制的油畫通過電腦合成，制作成風格統一的油畫電影。

類似的手繪油畫電影

《至愛梵高·星空之謎》實際上就是一部傳統的動畫片，只不過是采用手繪油畫風格制作的。

與之類似的影片也有很多，只是都比較小眾。比如2006年理查德·林克萊特執導的，基努·里維斯、小羅伯特·唐尼和薇諾娜·瑞德等主演的《盲區行者》。該片改編自美國著名科幻作家菲利普·K·迪克的小說《心機掃描》。電影使用Rotoscoping技術，將真人拍攝的視頻片斷直接后期加工成類似油畫效果的電影，一方面保留了足夠多的現實感，另一方面更能夠體現出那種狂亂狀態下人物的感覺，相比成本較低的純動畫或傳統影片，更好地把觀眾帶入了一個真假難辨的迷幻世界。

扎克·施耐德執導的《300勇士》（2006年）和《守望者》（2009年）也采用了類似的技術，油畫般的鏡頭基本還原了漫畫的情節，被漫畫愛好者譽為“神來之作”。

近年來采用傳統手繪制作方式的動畫片有復蘇跡象，2017年年初上映的美國萊卡工作室原創定格動畫《魔弦傳說》，有1359個鏡頭133096幀畫面，為主角“久?！眲撛炝?800萬種不同表情和神態的組合。2017年北京國際電影節期間上映的英國手繪動畫《倫敦一家人》，用色彩艷麗、美輪美奐的彩鉛手繪畫風，細膩溫柔地講述了一個美好的童話故事。而世界上第一部長篇純手繪動畫《白雪公主》（1937）則使用了30萬幅畫面。無論是早期受到技術限制而不得不采用的手繪，還是如今這種高科技手段下的復古風格，手繪這種平靜如水的方式，卻使得講述的故事刻骨銘心、感人至深。

全手繪油畫動畫片《至愛梵高》雖然在技術方面沒有特別的創新，在藝術方面也沒有特別的投入，但它帶給人們的是一種獨特的感受，就像印象派畫家首創了在畫布上捕捉肉眼所見的第一印象，革新了觀看與描繪自然的方式一樣。電影中一幀一幀的油畫畫筆作畫鏡頭，讓觀眾感覺自己仿佛是梵高，正在一筆一筆作畫，捕捉著光影的變化，感受著萬物的氣息，用心體會他的所思之深、所愛之柔。

攝影在19世紀中期逐漸被大眾使用，但在攝影技術發明之初，許多藝術家認為它只是對真實藝術的平庸模仿。而印象派則認為攝影是一種觀察現實的有力方法，使他們能夠分析動作，注意肉眼通常忽略的細節，能夠仔細地觀察物體，捕捉瞬間。也正是攝影的普及，印象派那種自發性的感覺逐漸被人接受，以梵高為代表的后印象派，不滿足于刻板片面地追求光色，而是強調作品要抒發自我感受和主觀感情，由客觀再現走向主觀表現，用作者的主觀感情去改造客觀物象，表現出“主觀化了的客觀”，由此開啟了現代藝術的大門。

《至愛梵高》巧妙地將印象派和攝影技術結合起來，正如影片所說的“Two hearts， One mind”（心靈相通），相對于24幀/秒的普通電影，或者更加清晰的高幀率（60幀或120幀）電影以及寬銀幕電影，該片以12幀／秒的速度和近似于正方形的畫幅放映，像是歷經滄桑的古董，帶著歲月沉淀的痕跡，呈現出了更加流動夢幻的效果。對那些沒有機會欣賞梵高原作的人們來說，走進影院欣賞這部精彩的藝術電影，就是走近梵高，了解梵高，向梵高致敬。